Macbeth

7 thoughts on “Macbeth”

1. Il Macbeth francese protagonista al Festival Verdi di Parma

   Il Festival Verdi compie vent’anni e proprio col coraggio e l’entusiasmo della sua giovane età non si ferma di fronte al lockdown che ha segnato un periodo tanto buio per la nostra cultura, e per la prima volta nella storia del teatro di Parma si affida a uno spazio “open air” nel verde del Parco Ducale, di fronte allo storico monumentale palazzo omonimo, già prestigiosa sede dei RIS dell’Arma dei Carabinieri, rappresentando un forte segno di ripartenza nel territorio di una città che nel 2020 avrebbe dovuto essere capitale italiana della cultura, e che lo sarà comunque il prossimo anno con tutto il bagaglio di espressività che tutto questo comporta. Le sue “Scintille d’Opera”, simbolo e metafora di stupore, di entusiasmo e di atmosfera di un festival che salvaguarda la qualità musicale e permette di rispettare l’attività culturale nel solco del percorso intrapreso in questi anni, portano in scena il Macbeth degli “anni di galera” di un Verdi che per la prima volta si approccia al teatro shakespeariano nella versione francese tradotta da Charles Louis Etienne Nuittier e Alexandre Beaumont nell’edizione critica di David Lawton revisionata da Candida Mantica. E’ un’occasione per riflettere con attenzione sul tema delle traduzioni e delle diversità timbriche fra le due lingue, ma in realtà nulla aggiunge alla profondità della creazione verdiana originale, anche se molto spesso la traduzione francese, non essendo fedele al testo italiano, attinge più spesso al dialogo shakespeariano smussando alcune asperità della lingua originale anche se fa perdere giocoforza quella lettura risorgimentale tipica della letteratura verdiana. Di conseguenza si apprezzano maggiormente alcune pagine come i ballabili delle streghe scritti appositamente per Parigi in omaggio al grand-opèra allora in auge. Nel riprendere l’opera per Parigi, a diciott’anni dalla prima del 1847, verdi inserì alcune delle arie più belle, quasi geniali, come “La luce langue”, fosco monologo della Lady, la surreale scena delle apparizioni e lo struggente coro “Patria oppressa” che canta l’amarezza per la propria terra in schiavitù, caratterizzando maggiormente l’atmosfera sinistra nella caratterizzazione psicologica dei personaggi. Certo che la versione francese aggiunge un tocco di eleganza raffinata al Verdi sanguigno e travolgente che tanto amiamo. Sul podio della Filarmonica Toscanini la bacchetta attenta di Roberto Abbado punta su un tono vibrante per cogliere un’atmosfera misteriosa con una ricerca del colore ambientale che fa da sfondo al massimo rilievo conferito alla parola e al peso drammatico che ne comporta. Ludovic Tézier , strepitoso al suo debutto a Parma, giganteggia sulla Lady. Questo Macbeth così complesso, introverso e tormentato, costruito attraverso un fraseggio sottile e articolatissimo che trova punte di introspezione psicologica anche nelle pieghe inesplorate della partitura, fa del bravo baritono francese il vero protagonista della serata, anche per il suo bellissimo timbro pieno, piegato dall’intelligenza e dalla grandissima musicalità che tocca uno dei punti più elevati nell’aristocratica “Pietà, rispetto, onore” (Honneurs, respect,tendresse). Accanto a lui Silvia Dalla Benetta evidenzia molte forzature in un canto di forte personalità che però non conosce grandi raffinatezze, nonostante alcuni passaggi appaiano ben costruiti su una progressione psicologica dai toni ondeggianti e inquieti come l’aria della Lady. Voce imponente e vellutata è quella di Riccardo Zanellato nelle vesti di un Banquo di grande fraseggio analitico nella compostezza austera di una personalità superba. Bene Giorgio Berrugi nel ruolo di un Macduff di voce brunita e morbida, musicalissima nella versione francese della “Paterna mano” “Ah c’est la main d’un père”. Incisivo è il Malcolm di David Astorga, e a seguire tutti gli altri Jacobo Ochoa, Natalia Gavrilan, Francesco Leone, Pietro Bolognini e Pilar Mezzadri Corona. Splendido è il coro del Regio di Parma preparato magnificamente da Martino Faggiani che nella struggente “Patria oppressa” ci regalano un’emozione unica. E l’Orchestra Filarmonica Toscanini suggella momenti di grande spessore, non solo nelle parti soliste ma anche nei bellissimi concertati, compresa l’elettrizzante aria del banchetto. Giusta appare l’amplificazione spazializzata con buon equilibrio e profondità di suono.

   Parma, 13 settembre 2020.
   Claudia Mambelli.

2. Macbeth inaugura il Festival Verdi di Parma

   L’edizione 2018 del Festival Verdi di Parma si è inaugurata con Macbeth, un’opera giovanile che segna il primo incontro del genio di Busseto con Shakespeare; un incontro che si ripeterà nella piena maturità verdiana con Otello e Falstaff, alla ricerca del confronto dell’uomo con la propria identità e col potere, temi morali insiti nella tragedia shakespeariana. Macbeth è un’opera complessa, per lungo tempo rappresentata raramente e solo successivamente riscattata; e sulla scia di un Festival che ha la prerogativa di sviscerare ogni singola nota, a Parma è stata presentata nella sua prima edizione, quella che Verdi compose nel 1847 lasciandola orfana di alcune delle pagine più belle che ne caratterizzeranno la successiva ripresa parigina del 1865; da “La luce langue”, un’aria che tratteggia con mille sfaccettature il crollo psichico della Lady luciferina, ai ballabili coi quali il bussetano si adeguò alle convenzioni francesi, fino alla modifica del famoso coro “Patria oppressa” riscritta praticamente di sana pianta. La versione parmense 2018 gode della bacchetta di Philippe Auguin sul podio della Filarmonica Toscanini e dell’Orchestra Giovanile della Via Emilia facendone una lettura corretta ed equilibrata nelle pennellate raffinate, ma priva di quel bellissimo coinvolgente colore drammaticamente intenso raccontato nella struttura psicologica dei personaggi verdiani. Un successo trionfale è indirizzato al coro del Teatro Regio che diretto magistralmente da Martino Faggiani ci regala momenti di grandissimo valore per l’espressività interpretativa e per il colore vocale che canta l’amarezza per la propria terra ridotta in schiavitù. Assistere all’ultima recita di uno spettacolo a volte paga. E’ il caso del Macbeth del 18 ottobre interpretato dal baritono Vladimir Stoyanov che prende il posto del collaudatissimo e ineccepibile Luca Salsi protagonista delle recite precedenti. Stoyanov, fra i baritoni di nuova generazione per la bellissima tinta verdiana, per l’omogeneità dell’emissione e per lo scavo espressivo nella nobile varietà d’accento che lo distinguono, riscuote un successo personale che culmina nella celebre aria “Pietà, rispetto, onore” bissata a furor di popolo per un pubblico elettrizzato. Non è da meno l’affascinante Davinia Rodriguez, Lady del male dalla protervia ferina che profuma comunque di una femminilità sensuale nell’avvolgere letteralmente il suo re. La sua silhouette splendida si staglia con grande eleganza sui fondali grigi e piovosi del palcoscenico del Regio, e la sua vocalità prorompente negli acuti di agilità, alternata alla duttilità nella voce sfumata ne fanno una protagonista di primo piano. Il cast si completa con la figura eccellente di Michele Pertusi, Banco di enorme statura espressiva che scolpisce con imponente fraseggio e canta il sublime Arioso con dolcezza insieme austera e commossa in un’atmosfera di grande suggestione. Felice è anche l’interpretazione del giovane Giovanni Sala, Macduff intonatissimo, e Matteo Mezzaro nelle vesti di Malcolm. Molto bene anche Alexandra Zabala che ricopre il ruolo della Dama della Lady. Infine Gabriele Ribis è il medico, e Giovanni Bellavia è sicario, domestico e prima apparizione, mentre Adelaide Devanari è la voce bianca delle successive apparizioni. Poi le note si fanno dolenti con l’allestimento. Per molti registi oggi la parola d’ordine è che se ne parli, non importa se bene o male. Evidentemente a questa schiera appartiene anche Daniele Abbado il cui operato, indipendentemente dalla suggestione creata nella scena del banchetto grazie alle belle luci di Angelo Linzalata, si svilisce nell’uccisione a ombrellate di Banco sullo sfondo di un’ironica promenade dei sicari con ombrellini stile “singing in the rain”, per non parlare della sfilata che profuma di Satyricon felliniano. I costumi sono di Carla Teti. Non occorre aggiungere altro.

   Parma, 18.10.2018.
   Claudia Mambelli.

3. GRANDE JENNIFER LARMORE IN LADY MACBETH, DIREZIONE INFUOCATA DI ROBERTO ABBADO
   IL COMUNALE DI BOLOGNA INAUGURA CON MACBETH: BELLISSIMO ALLESTIMENTO
   LA REGIA LUCI E OMBRE DI WILSON DIVIDE MA SI IMPONE PER BELLEZZA FORMALE

   �La luce langue�. Sono queste le parole iniziali della famosa aria di Lady Macbeth. Luce malata e mortifera, epifania notturna e visibile di un Male che distrugge chi lo subisce ma anche chi lo attua. E poi la tenebra, l�abisso interiore dell�Uomo squarciato da fulmini, forse lo spazio metafisico per eccellenza, sicuramente quello che per motivi ancestrali ci spaventa fin dall�infanzia. Il Macbeth di Verdi � un�opera in bianco e nero, dove questi colori sono presenti anche come basilari e �semplici� manifestazioni cromatiche, oltre che come simboli morali, e continuamente si fondono a turbare lo spettatore, a creare un�ambiguit� che spaventa, poich� ci� che � male viene ineluttabilmente estirpato con altro male. Capolavoro a mio avviso concettualmente antimanzoniano come pochi altri, il personaggio di Macbeth incarna un mito dunque pi� che mai novecentesco, fin dalla tragedia originale di Shakespeare alla fedele rielaborazione di Verdi e Piave-Maffei. La genialit� del Bardo, prima, e del compositore bussetano (cui va riconosciuto l�enorme merito di aver saputo leggere attentamente la drammaturgia della tragedia) poi, sta nel centrare la loro opera sulla dicotomia essenziale fra Male e Senso di Colpa. Il Senso di Colpa non � il Bene, � anzi necessariamente frutto del suo contrario, e ci� permette una trattazione della difficile tematica enormemente pi� profonda e densa di problematiche. Cos�, un�interpretazione definitiva del testo si fa sfuggente, come si addice a ogni capolavoro assoluto che si rispetti. Sarebbe impossibile pensare alle Baccanti senza un Penteo ossimorico e ragionevolmente incuriosito dal�invasamento dionisiaco. Ritornando al contrasto fra luci e ombre, la regia di Robert Wilson basava su di questo l�intero allestimento. I momenti pi� drammatici erano sottolineati con cascate di luce, spesso abbagliante: una luce che mi ha ricordato l�angosciosa presenza del Sole in molte poesie degli Ossi di Seppia montaliani, dove la luminosit� assorbe crudelmente calore e vita. Viceversa, quando la narrazione si spingeva nel misterioso e nell�allucinato, la scena si faceva buia e desolante, come a suggerire una provenienza sepolcrale e archetipica dell�elemento visionario. Mantenendo un confronto con la poesia, qui siamo nel territorio dei Canti Orfici di Dino Campana. Ho scritta la parola �narrazione�, e in questo caso pi� giustamente che altrove: il teatro di Wilson, come egli stesso dichiara, � �formale�, si disinteressa delle implicazioni psicologiche presenti nel testo. In Macbeth, Wilson avrebbe potuto scavare nella sessualit� distorta di Lady Macbeth e marito, avrebbe potuto evidenziare la questione della paternit�, in Verdi cos� centrale. Ma il regista, fedele al suo credo stilistico, ha preferito ancora la via dell�essenzialit� e della scarna presentazione della vicenda, senza sovrastruttura alcuna. Ora, secondo chi scrive ci sono due maniere di fare teatro, e dunque anche di allestire opere liriche. Sono entrambe legittime: si pu� fare un teatro che attraverso la rappresentazione esprima un ulteriore significato, derivante dalla rappresentazione stessa (e tale significato pu� risultare direttamente dalla concezione autoriale originale o essere filtrata dalla sensibilit� del regista) oppure ci si pu� fermare alla pura forma, all�idea similiperuranica, di rappresentazione, tentando di porgerla come sostanza (substanzia) al pubblico. Una lettura come quest�ultima porta ad identificare il significante, cio� l�azione teatrale, con il significato, cio� il concetto espresso, ed � la lettura che abbraccia Wilson. Mi pare dunque indiscutibile il fatto che il regista americano, per la bellezza visiva dei suoi allestimenti compreso il Macbeth bolognese, rappresenti la figura cardine a livello mondiale del teatro inteso in questa maniera. Con buona pace degli scontenti, bene ha fatto il Comunale di Bologna ad inaugurare l�anno verdiano con questo eccellente allestimento. Eccellente anche per quanto riguarda la parte esclusivamente musicale, a cominciare dal direttore Roberto Abbado. Egli, affine al repertorio italiano, ha guidato l�ottima Orchestra con piglio vivacissimo. La sua bacchetta colpiva efficacemente con sferzate sonore di elevatissima drammaticit�, in un�opera dove di lirismo in pratica non ce n��. Ottimamente assortita la compagnia di canto, in cui ha brillato la Lady Macbeth di Jennifer Larmore. Dotata di acuti non solo saldi ma anche perfettamente squillanti e mai faticosi (anche i pianissimi emergono con facilit� e bellezza impressionanti), la cantante vanta un vibrato piacevolissimo oltre che un registro grave di tutto rispetto. Un prova davvero di alto livello, capace di entusiasmarmi come difficilmente pu� capitare con i soprani attuali in questo difficile ruolo. Meno generoso il Macbeth di Dario Solari, dall�emissione talora un po� imprecisa (evidentemente il suono non rimbalza completamente in maschera scontrandosi saltuariamente con le cavit� della gola). Anche il legato non � morbido come dovrebbe, e gli acuti, ma solo all�inizio della recita, escono palliducci. Ma l�intenzione di fraseggio (lavorare con Muti non pu� che dare ottimi frutti) � da premiare. Ben delineato il Macduff di Roberto De Biasio, tenore dal timbro affascinante e di buona nobilt� d�accento; meno personale e pi� standardizzato, invece, Carlo Cigni (che nella serata del 12 ha sostituito Riccardo Zanellato) nei panni di Banco: la sua interpretazione non rimane impressa, mancando della fermezza ieratica propria dei bassi verdiani. Comprimari tutti di buon livello. L�augurio � che il proseguo della stagione si mantenga sui livelli pi� che buoni di questa inaugurazione, confermando il Comunale di Bologna come teatro in netta ripresa qualitativa (gi� avviata da un paio di stagioni) per quanto riguarda gli allestimenti.

   Michele Donati

4. A Jesi per la 45ma Stagione Lirica di Tradizione
   A Jesi un Macbeth intenso
   Riproposto lo straordinario allestimento di Josef Svoboda

   Il punto focale della 45ma Stagione Lirica di Tradizione organizzata a Jesi dalla Fondazione Pergolesi Spontini � l�omaggio allo scenografo Josef Svoboda ricordato nel decimo anniversario della scomparsa.

   Artista che ha fatto della sperimentazione teatrale la sua prerogativa principale, Svoboda � ricordato da tutti per le sue straordinarie messe in scena che hanno sempre avuto grande successo, soprattutto nel difficilissimo campo dell�opera lirica, un settore nel quale gli allestimenti sono sempre oggetto di dispute tra gli appassionati e gli addetti ai lavori di tutto il mondo .

   Jesi ha voluto ricordare questo grande del teatro inserendo nella sua stagione autunnale una sorta di �mini festival� che potesse tenere viva la memoria dell�artista proponendo due sue �celebrate� creazioni, Macbeth di Giuseppe Verdi e Lucia di Lammermoor di Gaetano Donizetti, entrambe rappresentate con la regia di Henning Brockhaus.

   Venerd� 9 novembre � andato in scena Macbeth ottenendo un alto indice di gradimento da parte del pubblico convenuto al limite della capienza al Teatro Pergolesi.

   Vista la peculiarit� di questo �omaggio� � indispensabile iniziare la nostra disamina dalla parte visiva dello spettacolo che � risultata di straordinaria intensit� drammatica per una resa teatrale che � riuscita felicemente a fondere tutte le componenti di uno spettacolo lirico, scene, movimenti, drammaturgia, canto e musica con Svoboda e Brockahus che sono riusciti a costruire una �simbiosi� perfetta tra le loro �arti�.
   Svoboda ha concepito un allestimento essenziale, qui riprodotto da Benito Leonori, ideale per rappresentare il dramma dell�ambizione e del potere, una tragedia universale che, in quanto tale, � senza tempo, cos� come emerge dal capolavoro di William Shakespeare del quale Giuseppe Verdi, con la sua vena musicale, seppe esaltare la straordinaria drammaticit�.
   Questa ‘essenzialit�’ � ottenuta con l�utilizzo di semplici pannelli ed elementi scenici che per� non dimostrano alcuna �povert�� visiva come spesso accade per realizzazioni analoghe, ma, grazie all�utilizzo di opportune e ben curate proiezioni, lo spettacolo acquista profondit� e colore a seconda delle diverse situazioni teatrali e drammatiche. Questa �atemporalit�� � risultata rinforzata ed integrata, dai costumi realizzati da Nan� Cecchi che si sono inserite alla perfezione nella struttura dello spettacolo.
   Su queste solide fondamenta � costruita la regia di Brockhaus, molto attenta a mettere in risalto ci� Verdi volle evidenziare con la sua musica, vale a dire i tre personaggi principali dell�opera, Macbeth, la Lady e le Streghe, dove per la prima volta un �collettivo� diventa vero e proprio elemento trascinante.
   Per parte di Macbeth Brockhaus ha concepito una dimensione spesso �onirica� dai contorni da �incubo� che ha sintetizzato il mutamento interiore al quale il personaggio � condotto dalla brama di potere che lo porta all�annientamento.
   Poi la Lady Macbeth, personaggio terribile, qui raffigurato come un derivazione �infernale� delle streghe, al suo apparire rappresentato come scaturente dall�animo stesso di queste creature diaboliche, alle quali il regista ha saputo dare dei movimenti, spesso, avvolgenti, che riescono quasi ad inghiottire Macbeth per trasfondere al personaggio la cattiveria e l’aridit� interiore, visioni �infernali� rafforzate all�utilizzo in scena di alcuni acrobati.
   Se Shakespeare e Verdi � il binomio perfetto dal punto di vista drammaturgico, Svoboda e Brockhaus � il binomio altrettanto efficace dal punto di vista interpretativo, una fusione che ha reso lo spettacolo di estrema vitalit�, risultando attuale e non datato.
   L�esempio calzante di quanto detto finora lo troviamo nel secondo atto, nella cosiddetta scena del banchetto e delle apparizioni di Banco durante il quale i rimorsi del protagonista iniziano la loro opera di erosione mentale. Queste apparizioni sono state realizzate in maniera magistrale.
   Allo spettatore il fantasma di Banco appariva in uno specchio situato sul fondo della scena nel quale si rifletteva anche la sala, fatto che donava uno straordinario fascino. Ovviamente il fantasma non era visibile ne ai convitati ne a Macbeth riuscendo a dare, con semplicit�, ma con rara efficacia quel senso di �allucinazione� che pervade la scena tutta.
   La parte musicale � stata affidata alla direzione di Gianpaolo Maria Bisanti, direttore gi� ammirato qui a Jesi in altri capolavori verdiani, Traviata e Rigoletto, confermando ancora la sua propensione alla poetica teatrale di Giuseppe Verdi, con una direzione intensa quanto incisiva ben coadiuvato dall� Orchestra Filarmonica Marchigiana.
   Nella compagnia di canto ha molto ben impressionato Luca Salsi, un Macbeth giovanile e di buone doti vocali ed interpretative, al quale � stata affiancata la Lady Macbeth di Tiziana Caruso, molto convincente dal punto di vista teatrale, dalla voce molto affascinante e ‘verdfiana’ ma con qualche incertezza negli abbellimenti che nella Lady non sono predominanti in quanto la parte non � di tipo strettamente �belcantistico� ma che sono utilizzati per donare al personaggio quei connotati che lo rendono �diabolico�, �infernale�.
   Nel resto della compagnia c�era il Macduff di Thomas Yun ed il Banco di Mirco Palazzi seguiti da Miriam Artiaco (Dama di Lady Macbeth), Dario Di Vietri (Malcom), Carlo Di Cristoforo (Medico) e Andrea Pistolesi (Domestico, Sicario e Araldo). Pasquale Veleno ha diretto il Coro Filarmonico Marchigiano.
   Applausi fragorosi ed interminabili al termine di questo spettacolo coprodotto Teatro Lirico Giuseppe Verdi di Trieste ed il Carlo Felice di Genova, indice di incondizionato gradimento per una interpretazione che ha illuminato la serata ma, anche, per il Macbeth e per il suo universale messaggio �drammatico� che ad ogni rappresentazione si rinnova ed affascina gli spettatori.

   Claudio Listanti
   claudio.listanti@voceditalia.it

5. MACBETH di Verdi per Ravenna festival 2004

   MACBETH
   Melodramma in quattro parti di Francesco Maria Piave
   musica di Giuseppe Verdi (1813-1901)
   direttore Daniele Gatti
   maestro del coro Marcel Seminara
   regia e coreografia di Micha Van Hoecke
   scene di Edoardo Sanchi
   costumi di Marella Ferrera
   luci di Daniele Naldi

   Macbeth Carlos Alvarez
   Banco Ildebrando D�Arcangelo
   Lady Macbeth Tatiana Serjan
   Macduff Giuseppe Gipali
   Malcolm Antonello Ceron
   La dama di Lady Macbeth Anna Malavasi
   Il medico Carlo Di Cristoforo

   Orchestra e Coro del Teatro Comunale di Bologna
   Ensemble di Micha van Hoecke
   Nuovo allestimento di Ravenna Festival
   Coproduzione Ravenna Festival, Teatro Comunale di Bologna,
   Teatro Giuseppe Verdi di Trieste Palazzo Mauro de Andr�
   Venerd� 16 e Domenica 18 luglio
   Sponsor dell’evento

   �Questa tragedia � una delle pi� grandi creazioni umane�Se noi non possiamo fare una gran cosa, cerchiamo di fare almeno una cosa fuori del comune�: scriveva Verdi a Piave, autore del libretto, il 4 settembre 1846.
   Il regista- coreografo belga Micha van Hoecke prende alla lettera le parole di Verdi ed ambienta il Macbeth, allestito al Pala De Andr� di Ravenna, in oriente, traendo ispirazione dal film di Akira Kurosawa Il trono di sangue (1957), il cui soggetto, tratto dalla tragedia shakespeariana ha come protagonista Washizu, l’alter ego giapponese di Macbeth.
   Al regista non interessa la fedelt� ai luoghi originari, ma la forza e il mistero presenti in un mondo pieno di ritualit�, pertanto opta per uno spazio tenebroso (nero il pavimento, nero lucido riflettente il soffitto che si eleva all�inizio e resta in tralice per la visione speculare dell�azione e il raddoppio delle scene di massa-lontana reminiscenza della Traviata degli specchi di Svoboda a Macerata), per un palcoscenico vuoto, percorso da fosche apparizioni ed allucinazioni lancinanti. I protagonisti e i simboli emergono dall�oscurit�, spuntando a mezzo busto dall�impiantito o sfilando in fondo al palcoscenico dietro un divisorio trasparente, focalizzati dall�intrigante gioco di luci di Daniele Naldi e illuminati dai lampi della musica scanditi da un ritmo lucido e convulso. E, per non interrompere l�arco narrativo della vicenda, � stato eliminato il sipario. La regia comunque � piuttosto statica e non sempre intrigante e il nero totale delle scene di Edoardo Sanchi non favorisce l�attenzione.
   Il film di Kurosawa fornisce una sorta di rappresentazione visiva del Bushido, il codice d’onore dei samurai, soprattutto per l’orientamento dei personaggi sulla scena.
   Lady Macbeth, creatura malefica protetta dalle tenebre, la cui importanza si presagisce fin dal preludio, compare con la musica fin dall�inizio impigliata in una tela di ragno (forse � ragno ella stessa), tela che finir� per stringerla nell�epilogo di una storia di sangue e di morte, sulla quale incombe una pesante atmosfera. Non ci sono intrighi amorosi, aleggia la continua tensione del male e prevalgono i lati oscuri dell�animo umano.
   Il nuovo allestimento e’ coprodotto con il Teatro Comunale di Bologna e con il Verdi di Trieste.
   A Ravenna Festival � stata eseguita la traduzione italiana del Macbeth francese, rappresentata per la prima volta alla Scala di Milano il 28 gennaio 1874, con i ballabili secondo la tradizione dell�opera francese.
   La musica bellissima di Verdi d� corpo sonoro all’incubo, eccitando i sensi. L�Ensemble di van Hoecke traduce tale eccitazione con una gestualit� dal ritmo incalzante, reso ancor pi� evidente dal contrasto tra il nero degli abiti e delle scene e il bianco delle facce e delle braccia in movimento.
   Belle le scelte registiche per le scene d�insieme; bellissimi i costumi da samurai (purtroppo non sempre visibili per il buio), ideati da Marcella Ferrera, che veste di nero tutti gli altri, con qualche pennellata di rosso per la Lady.
   Per la scena del sonnambulismo si snoda un velo bianco che produce immagini dilatate nel sovrastante piano riflettente. Originalissima la scena del bosco che avanza: uomini coperti di canne lucide e tintinnanti, con la duplice funzione di mascherare i soldati e di simulare i rumori delle armi.
   L�orchestrazione emblematica dalla tinta prevalentemente drammatica, con i fiati che definiscono la cupa atmosfera della libidine del potere foriera di tragedia e con le inquietudini cromatiche di una musica abissale, trova nella lettura di Daniele Gatti la giusta estrinsecazione e l�Orchestra del Teatro Comunale di Bologna d� espressione sonora al gesto del direttore. Bravi!
   Fantastico il Coro del Comunale di Bologna, preparato e diretto da Marcel Seminara, per la pienezza e la compattezza dell�amalgama del suono (favorito da una sorta di eco), per la cura del canto a mezza voce, per l�espressivit� dell�emissione: un coro da arena per la potenza.
   La gestualit� dei personaggi non ha avuto il supporto delle parole che giungevano indistinte, non so se per cattiva acustica dell�ambiente o per mala dizione dei cantanti.
   Il baritono Carlos Alvarez nel title-role esibisce una vocalit� ampia e di certo spessore, morbida e di bel timbro, porge con grande sentimento ed espressivit� e la sua voce si espande a 360�, anche se a volte le sue buone intenzioni sono coperte dalle sonorit� orchestrali; il basso Ildebrando D�Arcangelo presta a Banquo una voce di un bel colore scuro; Giuseppe Gipali (Macduff) � un tenore chiaro dal buon peso e fiati sostenuti; corretti il tenore Antonio Ceron (Malcolm), il soprano Anna Malavasi (dama della Lady) e tutti gli altri.
   Tatjana Serjan ha voce possente dal timbro scuro, notevole estensione, fraseggio espressivo e accento tagliente, note gravi consistenti, corretta messa di voce, suggestivi filati (vedi il re bem. sovracuto del sonnambulismo, seguito da un pianissimo orchestrale). Una bella Lady, peccato che l�oscurit� quasi perenne dell�ambiente abbia reso impossibile la percezione dei particolari.

   Giosetta Guerra
   pubblicato su Musica e Scuola 15 sett. 2004

6. Cronache dal Palcoscenico 5

   Sferisterio: simboli ed effetti cromatici in sostituzione degli ambienti

   Macbeth acrobatico e Norma tibetana
   di Giosetta Guerra

   MACERATA � luglio e agosto 2007 – La scenografia delle due opere maceratesi alle quali ho assistito, Macbeth (26 luglio-premi�re) e Norma (4 agosto), ma anche di Maria Stuarda, come risulta dalle foto, aveva la medesima struttura architettonica fissa, formata da tre lunghe pedane a scivolo dal centro verso l�esterno, sulle quali sfilavano o correvano, agivano o sostavano le masse con effetti scenici e cromatici di grande impatto visivo; questi “camminamenti” erano sorretti da una grata in ferro nero fissata sull�impiantito del palcoscenico, al centro del quale era posizionata una breve scalinata quadrangolare (grigia per Macbeth, bianca per Norma), che faceva da base a semplici supporti architettonici, raffiguranti il trono (una o due grandi sedie rosse) per Macbeth e un altare votivo, sormontato da un�aquila d�oro, che sorreggeva un braciere con fuoco perenne, come nelle cripte tibetane, per Norma. Otto candidi pilastri bianchi quadrangolari, che con il gioco di luci (disegnate da Sergio Rossi) a tratti apparivano cilindrici, quattro medaglioni istoriati (due con svastiche) sul fondale, due cubi bianchi e oro ai lati dell�altare, che riuniti diventavano il letto dei figli della sacerdotessa, completavano la pulita e lineare scenografia di Norma. Nella linea della classicit�, ma pi� cupa, anche la scenografia di Macbeth, che al momento del brindisi veniva arricchita di tre tavoloni neri con sgabelli in tinta. E fumo per entrambe le opere. Pier Luigi Pizzi e Massimo Gasparon viaggiano sulla stessa linea. L�azione si svolgeva quindi su tre lunghissimi piani, che sfruttavano tutta l�ampiezza del palcoscenico dello Sferisterio, con la restituzione di una platealit� accattivante delle scene di massa (una fra tante � l�immagine dolorosa del coro nero seduto a terra in ordine sparso mentre canta Patria oppressa), di uno sfolgorio cromatico diffuso, di un godimento estetico che se ne infischiava della pertinenza o meno di certe scelte registiche. Tuttavia qualche domanda � sorta spontanea. Perch� Pizzi ha scelto degli acrobati ballerini per le streghe di Macbeth? Sinuosi, spericolati, bravissimi, bellissimi tutti neri con testa e braccia rosse, hanno eseguito difficili figure coreografiche (grands jet�s en air) e numeri da circo d�alta classe (capovolte a ripetizione e acrobazie varie), che ci � piaciuto molto vedere, ma che non ci hanno fatto sentire il brivido della paura. Provate ad immaginare l�effetto visivo di questi due colori che si intrecciano nelle acrobazie: spettacolare e non terrificante. Perch� Gasparon ha optato per i monaci tibetani, “pacifisti” e non guerrieri e, se ha trasportato Norma in Tibet, che ci facevano quelle svastiche sul fondale? Gasparon ce lo spiega nella sua presentazione dell�opera, ma la gente non sempre compra o legge il libretto, suo malgrado, e poi non sempre se la sente di dover re-interpretare ci� che gi� conosce per tradizione.

   A dir la verit� siamo un po� stanchi anche noi di essere costretti a scavare tra le pieghe delle intenzioni registiche, di dover disquisire nelle nostre recensioni sul significato degli allestimenti, ci ha gi� pensato il librettista a suo tempo a delineare storia e ambienti e il musicista ha ideato la musica per quella storia e per quell�ambiente. Chi va all�opera non vuole lambiccarsi il cervello per indovinare dove si trova, vuole essere tranquillo e ascoltare soprattutto una buona esecuzione musicale e vocale. Invece oggi si spende pi� per gli allestimenti che per l�ingaggio di ottimi cantanti. Vogliamo il teatro d�opera e non l�opera dei registi e degli scenografi.
   Sul versante registico, inoltre, in Macbeth mi � sembrato semplicistico ridurre la scena del bosco che si muove a dei semplici scudi di corteccia portati da uomini che avanzano minacciosi e riduttivo l�omicidio dell�usurpatore che viene avvolto con un manto nero. Concludiamo l�analisi dell�aspetto visivo menzionando lo splendore dei bellissimi costumi, giocati tra il nero e il rosso in plastica lucida con qualche mantello dorato che Pizzi ha disegnato per il Macbeth e la scelta del bianco lordato di sangue per il vestito della Lady “assassina nel DNA” e per il lungo lenzuolo fatto scivolare verso il basso col corpo insanguinato di Duncan (unica scena macabra) e ancora rosso per le bandiere sventolanti durante l�incoronazione di Malcolm e oro per la corona con aculei della Lady che poi passa al nuovo re. Sontuosi anche i costumi che Gasparon ha ideato per Norma, tuniche rosse per la casta sacerdotale e con sopratuniche gialle per gli accompagnatori di Oroveso, splendide armature blu violetto con profili dorati per Pollione & Company, tutti a gambe nude, abiti in raso di seta della stessa foggia (vita alta con mantello incorporato) ma di colori diversi per Norma (nero, blu elettrico, bianco, rosso) e per Adalgisa (rosso).

7. Il teatro autentico nel �Macbeth� di Modena.

   L�atmosfera cupa e barbarica nelle immagini crude e nelle suggestioni forti del �Macbeth� di Giancarlo Corbelli ripreso da Lydia Biondi e Adriano Arrigo nell�allestimento in scena al Teatro Comunale Pavarotti di Modena, in coproduzione col Comunale di Bolzano e la Fondazione Teatri di Piacenza, non contempla alcuna metafora che possa dare adito a interpretazioni velate o sommesse. Qui tutto � squadernato su un palcoscenico testimone di un teatro autentico, fin troppo cruento nelle crocifissioni retaggio del Golgota, dominate dalla violenza e dal sangue in una cornice astratta e priva di connotazione storica, che a tratti si illumina di un rosso intenso in cui un groviglio demoniaco di corpi, specchio di anime inquietanti e contorte, si fa interprete di un�orgia che intreccia il tema del soprannaturale, tanto caro alla letteratura gotica dell�epoca, col potere e la violenza, fulcro intorno a cui ruotano le vicende di Macbeth e della Lady di ferro dominata dall�ambizione e dalla lussuria; una Lady a cui spetterebbe di diritto il titolo dell�opera che Verdi, peccando di maschilismo,volle consacrare al re scozzese. Non c�� cromatismo in questa azione buia, pervasa dalle tenebre, dove i pochi lampi di luce illuminano il colore del sangue che macchia le mani della coppia omicida e che rimane impregnato nelle chiome delle vittime cadute sotto i colpi dei due diabolici coniugi. La scena cruda delle apparizioni, sottolineata dalla bacchetta di Aldo Sisillo sul podio della compagine orchestrale dell�Emilia-Romagna che rende omaggio a Massimo De Bernart ,primo esecutore di questa produzione nel 2001, il colore singolare degli episodi delle streghe favorito dal coro lirico Amadeus che Stefano Col� dirige con una linea di canto superba nell�espressivit� d�accento di �Patria oppressa�, il sapiente concertato del banchetto giocato su un ampio ventaglio coloristico, siglano qualcosa di demoniaco e soprannaturale in questo �Macbeth� dopo un iniziale affaticamento. Profuma di femminilit� la sensuale e allo stesso tempo ferina Lady scozzese che conosce nell�interpretazione di Susanna Branchini una presenza carismatica nel gioco della protervia dominatrice suffragata da qualche acuto fin troppo tagliente, e che nella scena del sonnambulismo con �La luce langue�ne rende credibile il crollo psichico in tutte le sue sfaccettature: dal trasalimento alle increspature espressive che si frantumano nella sconcertante modernit� dipanata sui toni morbidi di un fraseggio aperto alla pi� nuda volutt�.
   Intorno a lei e al coro il solido professionismo di un cast compatto e omogeneo � raccontato con un linguaggio teatrale diretto e intenso. Dario Solari scolpisce un Macbeth giovane, di forte impatto vocale e di grande musicalit�, soprattutto nella scena notturna con la Lady, e con �Piet�, rispetto,onore� successivamente tramutato in �amore� come oggi conosciamo, sottolinea uno dei momenti canonici della partitura verdiana plasmando un canto morbido e sfumato nelle pieghe del fraseggio, pur senza raggiungere quell�introspezione psicologica tipica dell�et� matura; e incontrer� la morte travestita nei bellissimi rami ghiacciati della foresta che muovendosi penetra la scena in ogni parte. Pavel Kudinov gestisce un Banquo di per s� intenso nella profondit� di un sentimento austero e carico di dolcezza poetica nella celebre aria �Come dal ciel precipita�. Macduff conosce la vocalit� generosa di Roberto Iuliano ma al servizio di un fraseggio generico. Completano il cast Fumitoshi Miyamoto nelle doppie vesti del medico e del domestico, e la dama della Lady Shoushik Barsoumian,entrambi corretti allievi del Cubec, l�Accademia di Alto Perfezionamento per cantanti lirici di Modena. Infine il sicario, nonch� araldo, � Daniele Cusari, mentre Malcolm, figlio del re Duncan � Antonello Ceron.

   Modena, 3 marzo2011.

   Claudia Mambelli.